La magie d’Alexandra Hedison dans la simplicité

Entretenons-nous avec Alexandra Hedison, une photographe inspirante qui, en capturant et expérimentant des sujets très simples dans son studio, crée de la magie et nous transporte dans des univers incroyables avec ses photos. Après avoir grandi à Los Angeles dans la famille de l’acteur David Hedison, elle a passé de nombreuses années à jouer dans des films hollywoodiens. Cependant, la photographie, qui a toujours été un passe-temps, a supplanté ses autres occupations. Depuis 2002, Alexandra est activement impliquée dans le monde de l’art photographique et expérimente avec avidité les techniques photographiques.

Selon Alexandra, chacune de ses œuvres est une rencontre à la fois une architecture et naturelle entre l’individu et l’infini du paysage. Dans cet état suspendu, l’inhabituel et l’inattendu se mêlent, et une sorte d’abstraction remonte à la surface. H Gallery à Paris a récemment présenté « A Brief Infinity », exposition d’œuvres récentes d’Alexandra. Après avoir vu cette exposition, je n’ai pas pu résister à la tentation de m’entretenir avec l’artiste. Je remercie la galeriste Hélianthe Bourdeaux-Maurin pour cette interview et Alexandra Hedison elle-même qui a accepté de partager ses pensées.

– Alexandra, nous pourrions peut-être commencer par le début. Quelle était votre relation avec l’art avant de devenir une artiste ?

– En fait, très naturelle. Dans mon enfance, j’étais un enfant extrêmement visuel. Je me souviens que je voyais beaucoup de choses très différemment de mes camarades, et le tout premier souvenir que j’ai d’une expérience artistique remonte à mon enfance. J’avais alors six ou sept ans. Nous avions en Amérique avait une activité artistique très populaire dans les familles : les enfants de notre quartier avaient la possibilité de créer un dessin pour une boulangerie qui en faisait ensuite un gâteau. Ma mère m’a suggéré d’essayer. Mais elle m’a dit de ne pas m’embêter et de faire un dessin aussi simple que possible. J’ai donc dessiné très simplement : des lignes géométriques remplies de différentes couleurs. Toutefois, après avoir vu le gâteau cuit, j’ai été très déçue. Il était complètement différent de mon dessin. J’espérais que le glaçage du gâteau ait la même texture que le feutre que j’avais utilisé pour dessiner. Je pense que c’est à ce moment-là que j’ai compris que je ressentais et voyais les choses différemment. Je n’avais pas seulement créé des formes géométriques dans mon dessin, mais des textures, des couches, une sensation…

– Votre parcours créatif est assez varié et inspirant. Vous avez grandi dans un milieu artistique, entourée d’acteurs et d’artistes. Vous avez joué dans de nombreux films et séries d’Hollywood, et vous avez été vous-même réalisatrice. Vous avez étudié à l’Université d’État de New York et à l’Université de Californie à Los Angeles (UCLA). Comment avez-vous fini par choisir la photographie ?

– En tant que fille d’acteur, j’ai toujours été convaincue que mon avenir était déjà tracé : je serais actrice. ’ai donc commencé à travailler dans l’industrie cinématographique. Au début, lorsque j’avais une vingtaine d’années, j’étais actrice et je faisais des performances, puis, pour joindre les deux bouts, j’ai commencé à auditionner pour la télévision où j’ai réussi, mais ce travail ne m’a presque jamais satisfait. La photographie a toujours été mon passe-temps et, peu à peu, elle est devenue ma plus grande passion dans la vie. Je dirais que j’y suis officiellement passée vers 1997 ou 1998. C’était terrible car être actrice était à l’époque mon gagne-pain et j’y ai soudain complètement renoncé. Depuis cette décision, je me suis entièrement consacrée à ma passion, la photographie, et je me suis donnée à mes recherches artistiques et mon travail créatif, et je n’ai rien fait d’autre pendant longtemps.

J’ai exposé pour la première fois ma série de paysages abstraits en 2002 à la galerie Rose au Bergamot Station Arts Center, à Los Angeles. En 2005, j’ai exposé ma série « (Re)Building » qui étudiait les thèmes de la perte, de la transition et du redressement en utilisant la construction comme métaphore de la mémoire dans l’architecture inconsciente. Je me suis consacrée de tout mon cœur à la création. En 2008, j’ai réalisé une série d’œuvres intitulée « Ithaque » et cela a probablement été la première fois que je me suis vraiment amusée à prendre des photos. En créant cette série, j’avais toujours l’impression de ne pas savoir ce que je faisais lorsque j’ai réalisé cette série. Mais j’ai persévéré et j’ai créé une série d’œuvres qui m’a apporté une grande satisfaction artistique.

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Alexandra Hedison sur le tournage de l'émission télévisée Firefighter

Votre série de photos grand format « Ithaque », qui tire son nom d’un poème de Constantin Cavafy, a été réalisée dans les forêts tropicales d’Amérique du Nord. Exposée pour la première fois à Londres, « Ithaque » a été incluse dans le « Passport to the Arts » du New Yorker en 2008 et dans le « Month of Photography » de Los Angeles. Pouvez-vous nous en dire plus sur l’expérience incroyable que vous avez eu en photographiant les arbres en lévitation de la forêt tropicale nord-américaine ?

Le nom « Ithaque » vient du poème éponyme de Cavafy qui commence ainsi : « Quand tu te mettras en route vers Ithaque, souhaite que le chemin soit long, plein d’aventures, plein d’enseignements… » Je peux dire que la naissance de ce cycle a été véritablement métaphysique, pleine d’aventures et pleine d’enseignements. Tout d’abord, je n’étais pas prêt pour la forêt. Au début, lorsque je me suis rendue pour la première fois sur le lieu de la session photos, j’ai compris que je n’avais pas les notes et les croquis que j’avais préparés, et j’avais laissé une grande partie de mes pellicules Polaroid au camp, pensant que nous y reviendrions. De plus, les conditions météorologiques étaient extrêmement difficiles. Comme nous photographions très loin du camp, j’ai décidé de continuer à travailler dans les conditions que la nature me donnait. J’ai donc dû photographier sans avoir le luxe de tester la pellicule Polaroid (comme garantie d’une prise de vue sûre). Cela m’aurait permis de tester mes compositions avant d’utiliser des feuilles coûteuses de film 4×5 pouces.

Au début, lorsque j’ai compris que j’allais travailler techniquement à l’aveugle, sans les notes et les croquis que j’avais préalablement pensés et soigneusement préparés, je suis devenu très tendue. Mais, après avoir finalement vu les résultats, je dirais même que j’étais fière de moi en tant que photographe car les photos dépassaient mes attentes : la forêt en lévitation et les espaces infinis, immersifs et enchanteurs étaient ce que je voulais voir et montrer. Utilisant les récits visuels découverts dans le paysage de la forêt tropicale, j’ai exploré à la fois les structures essentielles qui encadrent la forêt et sa croissance saisonnière avec des cycles de vie et de mort plus courts. Dans les images de « Ithaque », les couches denses de la forêt soulignent le caractère physique allégorique du voyage d’un lieu reconnaissable à un lieu inconnu. Les espaces vides sont devenus aussi importants que le sujet, et l’attention se porte sur l’équilibre changeant entre l’être et le néant, l’ombre et la lumière.

Dans vos premières œuvres, vous photographiiez des chantiers de construction, des paysages, des intérieurs, des reflets. Dans vos travaux plus récents, vous vous plongez davantage dans la matière et jouez avec elle. Qu’est-ce qui vous donne l’inspiration pour expérimenter ?

– La photographie expérimentale a toujours été pour moi un mode d’expression artistique proche. J’étais autodidacte, je faisais donc tout avec des essais et des erreurs. Dans ma première exposition, j’ai présenté des photographies de sujets très simples au premier regard : des vues d’une fenêtre. Il s’agissait de photographies à très grande échelle de gouttes de pluie sur la vitre d’une fenêtre. J’étais fascinée par cette image floue, les obstacles, la lumière et les ombres, les images jouant et vacillant en créant des récits inconscients.

Lorsque la photographie numérique a envahi l’espace de la photographie contemporaine, j’ai ressenti une profonde tristesse de perte. Face à la numérisation, le processus de conception de la photographie s’est perdu. Par exemple, si nous assimilons cela à la peinture, imaginez que la peinture ne soit plus créée que sur des tablettes d’ordinateur ! Cela serait comme tuer la peinture, la dévitaliser. Les peintres connaissent leur matériau qu’ils travaillent et améliorent année après année. Ils connaissent l’odeur de l’huile et de l’acrylique, leur texture, leurs pigments… Ils maîtrisent parfaitement la lumière et les coups de pinceau. Tout cela est absent de la peinture sur tablette. Je pense que la même chose s’est produite avec la photographie. Les photographes sont des magiciens capables de connecter la technologie et les techniques à leurs idées créatives, ils comprennent parfaitement la différence entre une pellicule Fujifilm et Kodak, comment les traiter, comment utiliser un laboratoire, les effets de la lumière, etc. Le triomphe du numérique a détruit tout cela car la photographie numérique effectue tous ces processus photographiques pour vous.

Ne vous méprenez pas : la photographie numérique est une excellente méthode photographique, c’est simplement un processus différent, une pratique artistique différente. Je continue à utiliser aussi bien le numérique que l’argentique, j’apprécie et expérimente les techniques traditionnelles de la photographie. Dans ma dernière série, je n’ai pas utilisé de négatifs, j’ai créé des images sur du papier photographique en jouant avec la lumière et les produits chimiques. J’ai immortalisé le processus même de l’effet direct de la lumière et des produits chimiques sur le papier photographique.

Parlons de votre dernière série « Short Infinity », récemment présentée à la H Gallery à Paris et maintenant exposée à la galerie Von Lintel Gallery de Los Angeles. Nous voyons que cette série est très différente des autres. Vous semblez avoir commencé à expérimenter davantage avec les techniques photographiques, avec la chimie. Pourriez-vous nous en dire plus sur vos nouvelles œuvres ?

– 2020 a été une année de grande incertitude. Une pandémie mondiale nous a tous enfermés chez nous, nous plongeant dans une sorte d’inconnu. Pour moi, cette période est devenue une expérience directe de « l’entre-deux ». De plus, au milieu du confinement, les États-Unis ont été touchés par le meurtre de George Floyd qui a déclenché une réaction culturelle passionnée. Une fois de plus, les failles systémiques du cadre culturel américain sont apparues. Comme une réaction chimique entre des éléments opposés, ce qui était auparavant immuable est rapidement passé de l’inertie à l’action.

Isolée, je me suis sentie connectée au processus en cours. J’ai aussi changé. Le rythme normal de ma vie et de ma pratique artistique était interrompu. Les restrictions dues au COVID-19 m’ont empêchée de voyager pour mon travail. Des expositions ont été annulées, des espaces publics ont été fermés et des pays entiers ont fermé leurs frontières. La notion de restriction, auparavant théorique, est devenue directe. Concernant mon travail, je n’avais nulle part où aller à part une chambre noire, mon studio photo. J’ai commencé à expérimenter les chimigrammes, un procédé unique découvert par Pierre Cordier en 1956. Contrairement à la photographie traditionnelle, où l’image est capturée puis imprimée, les chimigrammes ne nécessitent que l’interaction des produits chimiques et de la lumière sur le papier photographique.

– Il est paradoxal et incroyable de voir un paysage abstrait dans des marques brûlées par les produits chimiques. Comment parvenez-vous à créer une image aussi vivante de la vie avec une technique apparemment aussi destructrice et mutilante ?

– Pour mes expériences, j’ai utilisé de l’adhésif d’emballage, du vernis transparent et de la peinture métallisée, retardant et facilitant alternativement les effets de la lumière et des produits chimiques sur le papier. Les images qui en ont résulté m’ont directement indiqué un sentiment de changement – une évolution, une éducation et une transformation – que j’ai ressenti à mesure que la pandémie se poursuivait. En travaillant seule, j’ai senti le processus du chimigramme se dérouler pour moi. Ma nouvelle vérité créative a émergé dans mon studio photo, dans une chambre noire, en utilisant du papier et des matériaux simples pour rendre la surface de l’image plus profonde et vivante. J’ai choisi de photographier les chimigrammes un instant après l’autre, semblant ainsi enregistrer dans un paysage abstrait et changeant. Un seul instant, marqué par des couleurs inattendues et des motifs fluctuants, sert d’indicateur de ce qui a été et de ce qui est encore à venir : un bref infini. Chaque moment que je photographie est l’enregistrement d’une transformation en cours, à la fois personnelle et objective, une fraction de seconde dans un état de variation, visible dans un seul cadre, « pour toujours maintenant », décrit dans ce qu’Henri Cartier-Bresson appelait « l’instant décisif ».

En suspendant les instants, je veux capturer les différents états du papier puisque, après quelques secondes, ce matériau chimiquement dégradé peut changer de façon irréversible. Les images qui en résultent sont donc les moments qui viennent de s’écouler, des moments qui ont déjà été éclipsés par d’autres moments, alors que les chimigrammes originaux sont encore sensibles à la lumière. Ils continuent à se transformer jusqu’à leur disparition totale. Mes photographies recouvrent le micro et le macro-espace : certaines ressemblent à des images satellites de parcelles de terre (vues d’en haut par le hublot d’un avion), d’autres à d’étranges structures moléculaires vues à travers l’œil d’un microscope. Les gens voient également dans mon travail de nombreuses références à l’histoire de l’art : des allusions à Lee Krasner et Jackson Pollack, à Gustav Klimt, voire à l’art aborigène et africain.

H Gallery à Paris a récemment présenté « A Brief Infinity »

Lorsque vous avez décidé d’abandonner votre carrière d’actrice pour vous consacrer à la photographie, vous avez toujours travaillé exclusivement dans ce domaine. Mais vos photographies ont une énergie picturale, n’avez-vous jamais été attirée par la peinture ?

– C’est vrai. Il s’est passé quelque chose d’étrange en travaillant sur cette nouvelle série. J’ai commencé à ressentir l’envie de toucher la photo et d’y apposer mon propre coup de pinceau, comme si je voulais poursuivre un processus qui se déroulait déjà dans l’œuvre. C’est ironique, mais les matériaux résistants, tant dans l’art que dans la vie, contribuent et entravent l’expérience du devenir. La matérialité réfléchissante de la peinture appliquée, puis enlevée et réappliquée, souligne la nature cyclique du changement. Une partie de la couleur argentée qui dominait le processus de combustion chimique a disparu dans le résultat final. Je voulais conserver cette couleur argentée, évidente lors de la réaction chimique, et j’ai donc terminé certaines des photographies de cette série avec mes propres coups de pinceau. La main de l’artiste influence l’œuvre et conduit à des résultats inattendus. Nous verrons où ce désir de toucher le travail fini me conduira à l’avenir.

L’interview est publiée dans le magazine « Lamu slenis »

Merci.