Il y a des œuvres qui se donnent immédiatement au regard, et d’autres qui demandent du temps. Les sculptures et installations de Quentin Lefranc appartiennent à cette seconde catégorie. Leur vocabulaire est d’une grande économie de moyens : quelques lignes, des matériaux industriels, des jeux de transparence, des structures qui semblent presque silencieuses. Pourtant, derrière cette apparente simplicité se déploie une réflexion complexe sur l’espace, le corps et la perception.

J’ai découvert le travail d’Asta Kulikauskaitė il y a plusieurs années, et depuis, j’ai suivi l’évolution de sa pratique avec un intérêt grandissant. Ce qui m’a d’abord attiré dans ses peintures, c’est leur capacité à habiter un espace entre l’observation et la mémoire, entre la précision de l’expérience vécue et l’ouverture de la transformation picturale. Qu’elle travaille la figure féminine, le paysage ou des processus graphiques, Asta a constamment développé un langage visuel fondé sur l’attention au lieu, à la matière, et aux résonances émotionnelles subtiles qui les relient.
En commençant à travailler sur la prochaine exposition personnelle d’Asta, je me suis retrouvé à revenir non seulement aux peintures elles-mêmes, mais aussi aux questions qui ont discrètement accompagné sa pratique au fil des années. Comment un souvenir personnel devient-il un paysage ? Que reste-t-il d’un lieu une fois que sa topographie se dissout en couleur, en atmosphère et en sensation ? Comment l’autobiographie, la matérialité et l’imagination coexistent-elles dans une seule image ?

Une matinée ensoleillée m’a conduite à Montreuil, en région parisienne. L’atelier, baigné de lumière, s’ouvrait dans une clarté calme et généreuse, à la fois sobre et vaste. L’espace semblait respirer avec les œuvres, comme s’il prolongeait naturellement leur présence. Sarah m’a proposé un café. Dans ce geste simple, presque quotidien, quelque chose du rythme de sa vie s’est déjà esquissé : une attention au réel, à l’instant, à la relation. C’est là, dans cette atmosphère à la fois précise et accueillante, que notre échange a commencé – une conversation qui, aujourd’hui, trouve sa place dans l’écriture.

L’exposition Paysages sensibles. Territoires vus à travers le regard féminin à Espace H2O présente une collection de peintures et une installation conçues comme un voyage poétique à travers le paysage, explorant la manière dont la nature reflète le monde intérieur et les multiples couches de l’identité. Inspirée par ses promenades dans les environs de Differdange et à travers la campagne luxembourgeoise, par ses souvenirs d’enfance passés au bord du fleuve Nemunas en Lituanie, et par ses voyages à travers le monde, Asta Kulikauskaitė entrelace lieux, impressions et souvenirs émotionnels à travers une subtile harmonie de couleurs et de formes.

En tant que critique d’art et commissaire d’exposition, j’ai observé que la difficulté que rencontrent de nombreuses personnes face à l’interprétation des œuvres ne relève pas d’un manque de capacité, mais plutôt d’un manque d’outils méthodologiques – et cela est tout à fait normal. On nous apprend souvent quoi penser de l’art, mais rarement comment le regarder.

Dans l’œuvre de Susanna Inglada, le dessin refuse de rester immobile. Il déborde de la page, s’étend dans l’espace, projette des ombres et confronte le spectateur à des scènes d’une forte intensité psychologique et politique. Née en Espagne et installée aux Pays-Bas, Inglada a développé une pratique dans laquelle la figuration devient un espace chargé de tensions : luttes de pouvoir, humour grotesque et négociations instables entre les corps. Dans l’entretien qui suit, l’artiste revient sur son parcours, sur l’évolution de sa relation à l’échelle et à l’espace, ainsi que sur les risques inhérents à la transformation du dessin en un environnement immersif et théâtral.