Dans l’œuvre de Susanna Inglada, le dessin refuse de rester immobile. Il déborde de la page, s’étend dans l’espace, projette des ombres et confronte le spectateur à des scènes d’une forte intensité psychologique et politique. Née en Espagne et installée aux Pays-Bas, Inglada a développé une pratique dans laquelle la figuration devient un espace chargé de tensions : luttes de pouvoir, humour grotesque et négociations instables entre les corps. Dans l’entretien qui suit, l’artiste revient sur son parcours, sur l’évolution de sa relation à l’échelle et à l’espace, ainsi que sur les risques inhérents à la transformation du dessin en un environnement immersif et théâtral.

Je suis sans cesse captivée par le travail de Nina Mae Fowler, dont les dessins occupent un espace où beauté et tension, intimité et spectacle coexistent avec une précision troublante. Son art transforme des instants cinématographiques fugitifs, des images d’archives et l’aura des célébrités en quelque chose de profondément humain, révélant les histoires qui affleurent sous la surface.

Chaque ligne, chaque ombre semble porter un récit suspendu — un geste figé d’émotion, de désir ou de vulnérabilité — et c’est un privilège rare d’entrer dans son univers et d’être témoin du processus minutieux et passionné qui donne vie à ces images.

Devant Matière noire, je ressens un amour profond pour le noir. Le noir non pas comme absence, mais comme concentration ultime, comme lieu de mémoire et de vertige. Le travail de Martin Désilets m’émeut par sa rigueur silencieuse et par l’humilité avec laquelle il embrasse l’immensité de l’histoire de l’art pour mieux la dissoudre. Chaque état de l’œuvre est une respiration lente, une invitation à ralentir, à regarder autrement, à accepter que la beauté puisse frôler l’effacement. J’admire profondément cette démarche patiente, presque méditative, qui transforme la saturation des images en une matière dense, sensible et infiniment poétique. Matière noire n’est pas seulement une exposition : c’est une expérience du temps, du regard et de la finitude, portée avec une justesse et une profondeur rares.

Après près de vingt ans de pratique curatoriale, j’ai été confrontée à une situation singulière : assurer le commissariat de l’exposition de ma mère, l’artiste peintre Lidija Dailidėnienė. Cette situation, à la fois évidente et profondément troublante, m’a obligée à reconsidérer des notions que je croyais stabilisées : l’objectivité professionnelle, la distance critique, la légitimité du regard. Peut-on être commissaire « comme les autres » lorsqu’on partage avec l’artiste une histoire intime, une mémoire familiale, un paysage émotionnel commun ? Et inversement, peut-on réellement prétendre à une neutralité absolue face à n’importe quelle œuvre ?

« Topographie de la nature intérieure » reflète l’essence de la création de l’artiste : tout comme la topographie sur une carte indique le relief et la structure d’un paysage, Lidija Dailidėnienė « cartographie » sur ses toiles les expériences intérieures, les émotions et le lien avec la nature. Cette métaphore permet de percevoir chaque tableau comme un voyage spatial et contemplatif à travers des états intérieurs. La peinture de Lidija Dailidėnienė crée un espace de silence et de lumière, où les motifs naturels se transforment en reflets subtils des états intérieurs. Sur ses toiles se mêlent des touches légères, comme suspendues dans l’air, et une palette de couleurs délicatement harmonisée, conférant aux paysages un caractère paisible et méditatif. Chaque tableau devient une véritable pause visuelle — durant laquelle les roseaux semblent bruisser sur la toile, le vent siffler dans les branches des arbres, et l’eau du lac onduler doucement.

Il faut saluer la pertinence du choix de Seph Rodney, commissaire de cette première exposition personnelle de Barbara Navi à la galerie RX&SLAG Paris. En offrant carte blanche à un regard aussi affûté, la galerie a permis de révéler une œuvre dont la complexité se déploie pleinement lorsqu’elle est accompagnée d’une pensée capable d’en saisir les tensions intimes. Rodney, avec sa sensibilité de critique et d’essayiste, éclaire non seulement les enjeux esthétiques du travail de Navi, mais en fait ressortir la dimension existentielle : celle d’une peinture qui interroge nos manières d’habiter le temps, la mémoire et le réel. Il résume lui-même ce geste en évoquant la volonté de créer « une fracture dans le temps ordinaire », point d’ouverture où les images deviennent des passages plutôt que des certitudes.