Comme un lynx
Du monde de la mode à la scène artistique internationale
Un entretien avec Vilma Mačianskaitė
Comme un lynx
Du monde de la mode à la scène artistique internationale
Vilma Mačianskaitė / Photo: Lina Fisheye
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Cette année, Contour Art Gallery célèbre son dixième anniversaire. Pourtant, l’histoire de la galerie a commencé bien avant qu’elle ne s’installe définitivement dans la vieille ville de Vilnius. Pendant près de dix ans, Contour Art Gallery a été une galerie itinérante, organisant des expositions dans différents lieux, participant à des foires d’art, développant des projets et recherchant des opportunités à l’international pour les artistes lituaniens.
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Fait intéressant, Vilma Mačianskaitė, fondatrice de la galerie, n’avait jamais rêvé de posséder une galerie d’art. Un diplôme en économie, 26 années passées dans l’industrie de la mode, des études en histoire de l’art, ainsi qu’une expérience à la télévision et à la radio : à première vue, ces différentes étapes peuvent sembler constituer un parcours professionnel assez disparate. Aujourd’hui pourtant, Vilma affirme que toute l’expérience qu’elle a acquise poursuit un seul et même objectif : faire avancer l’art et accompagner les artistes dans leur parcours.
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Dans cet entretien, nous revenons sur son entrée inattendue dans le monde de l’art, les dix années d’histoire de Contour Art Gallery, la création de son espace permanent, la confiance accordée aux artistes, les foires d’art internationales, les collectionneurs, ainsi que sur les raisons pour lesquelles être un professionnel de l’art ne suffit pas à réussir en tant que galeriste.
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Contour Art Gallery / Šv. Kazimiero g. 7 Vilnius, 01127 Lituanie / Photo: Lina Fisheye
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Julia Palmeirao : Contour Art Gallery n’est pas née d’un désir de posséder une galerie d’art. Tout est parti de quelque chose de beaucoup plus inattendu. Comment cette aventure a-t-elle commencé ?
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Vilma Mačianskaitė : Avec le recul, je dirais que tout a commencé non seulement par un amour de l’art, mais aussi par les questions que je ne cessais de me poser. J’aime m’interroger en permanence : quelle est la prochaine étape ? Je suis fascinée par la manière dont les gens trouvent leur chemin dans la vie, par leur capacité à saisir le fil d’Ariane ou à découvrir où se trouvent leurs véritables forces.
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À l’époque où nous devions choisir notre orientation professionnelle, dans un contexte de grands bouleversements historiques et politiques (au début des années 1990, alors que la Lituanie reconquérait son indépendance vis-à-vis de l’Union soviétique), nous étions très peu encouragés à suivre nos propres aspirations. Mon premier choix de carrière a été entièrement rationnel, largement dicté par la pression de mon entourage. Sans cela, j’aurais choisi des études d’interprétation à l’orgue d’église. Et oui, c’est une très bonne question : je n’ai jamais eu envie d’ouvrir une galerie. Vraiment. Mais un jour, quelque chose s’est produit.
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Vers 2010-2011, lors d’une exposition à Rokiškis, je suis tombée sur une série de dessins qui m’a profondément fascinée. Je les ai achetés. Ils étaient l’œuvre d’une très jeune fille, encore lycéenne. Je n’arrêtais pas de parler d’elle à tout le monde, jusqu’au jour où l’un de mes amis, qui en avait visiblement assez de m’entendre, m’a finalement demandé : « Mais pourquoi ne t’occupes-tu pas de sa carrière ? »
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Cette question a été le déclic. J’ai commencé à me demander ce qu’une très jeune fille, vivant dans une petite ville de province en Lituanie, pouvait bien faire d’un tel talent. J’ai pris contact avec sa famille et nous avons commencé à échanger. Je me suis mise à lire, à faire des recherches, à explorer les possibilités d’études qui pourraient lui convenir le mieux. Nous sommes même parties ensemble à Florence, car étudier là-bas était son rêve. Plus tard, nous sommes allées en Écosse, où elle a poursuivi et achevé ses études.
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Mais les recherches que j’avais entreprises et les questions qu’elles soulevaient étaient devenues une véritable obsession en soi. Alors qu’elle étudiait à la Glasgow School of Art, en Écosse, je réfléchissais déjà aux prochains conseils que je pourrais lui donner et aux nouvelles orientations que je pourrais lui proposer. C’est ainsi que, tout à fait par hasard, je me suis retrouvée à m’inscrire à l’université Vytautas Magnus.
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Comme j’étais titulaire d’un diplôme en économie, poursuivre un master dans le domaine des arts impliquait également de passer des examens complémentaires de premier cycle en histoire de l’art. En somme, je devais repartir de zéro. Je suis très reconnaissante envers le professeur associé de l’université, qui a cru en moi et a pris la décision de m’admettre en un temps record. À cette époque, je travaillais dans l’industrie de la mode et voyageais énormément, tandis que mes études, à temps plein, se déroulaient à Kaunas. Le défi était de taille.
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Ce qui m’a aidée, c’est d’avoir une vision très claire de ce que je voulais comprendre. Mon mémoire de master s’intitulait Les artistes lituaniens contemporains : perspectives de carrière. Je voulais comprendre le fonctionnement du monde de l’art en Lituanie et ce que nous pouvions apprendre du marché international de l’art. Au cours de mes études, je me suis notamment intéressée aux acquisitions des musées, qui constituent l’un des facteurs clés dans la carrière d’un artiste, ainsi qu’à la situation des galeries d’art et aux pratiques de représentation des artistes.
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Ces recherches m’ont conduite à une conclusion très claire : en Lituanie, il existait très peu de galeries d’art privées qui travaillaient de manière suivie avec les artistes, les accompagnaient dans leur carrière, recherchaient des opportunités pour eux et leur ouvraient les portes du marché international de l’art.
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Il y avait des galeries qui vendaient les œuvres d’artistes disparus ou qui ne produisaient plus de nouvelles créations. Il existait également de nombreuses galeries institutionnelles rattachées à l’Union des artistes lituaniens, à l’Académie des beaux-arts ou à d’autres organisations. Elles organisaient d’excellentes expositions, mais leur mission ne comprenait ni la vente d’œuvres ni la représentation des artistes sur le long terme.
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Autrement dit, elles n’investissaient pas dans la promotion des artistes à l’étranger, dans le conseil et l’accompagnement, dans la gestion de leurs bases de données, dans la préparation de leurs premières présentations auprès d’institutions internationales, et ainsi de suite.
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C’est ainsi que ces recherches sont devenues le point de départ de ce qui allait suivre : un parcours aux côtés de l’art et des artistes. Une aventure itinérante, faite de déplacements constants et de recherche permanente de nouvelles opportunités.
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Est-ce que je prendrais la même décision aujourd’hui ? Je ne sais pas. J’ai le sentiment que ce n’était pas vraiment une décision de ma part. C’est comme si quelque chose m’avait tout simplement poussée dans cette direction.
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Visite de l’atelier de l’artiste Raimondas Gailiūnas
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J.P. : Ton parcours professionnel est pour le moins atypique : économie, mode, histoire de l’art et formations au Sotheby’s Institute of Art. Avec le recul, voyez-vous comment toutes ces étapes, en apparence si différentes, vous ont finalement menée à la création de Contour ?
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V. M. : Je crois que j’ai un ange gardien particulièrement fidèle, car quelque chose semble toujours me guider vers les endroits où je dois être, puis m’en tirer par la peau du cou tout aussi rapidement lorsque le moment est venu de partir – surtout lorsque rester risquerait de me coûter ma tranquillité d’esprit. Comme je le disais précédemment, ce n’étaient peut-être même pas vraiment mes décisions. Ou peut-être que si, à travers ma manière de réagir aux situations que la vie met sur mon chemin. J’ai simplement appris à accepter les choses telles qu’elles sont et à avancer.
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Parmi les économistes, j’étais un peu le vilain petit canard : je n’ai jamais ressenti un intérêt particulier pour l’approfondissement des questions financières. La plupart de mes camarades de promotion, en revanche, ont construit de très belles carrières. À vrai dire, ils constituent un formidable vivier potentiel de collectionneurs d’art, même si je n’ai pas encore trouvé le temps de les réunir tous à la galerie !
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Quant à ma formation en économie, elle a trouvé une application très concrète au cours de mes nombreuses années dans le secteur de l’habillement. Je dois toutefois dire que la période durant laquelle j’achetais des marques de mode a été un véritable bonheur, car je dessinais et confectionnais déjà mes propres vêtements depuis l’enfance.
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J’ai travaillé pendant 26 ans chez Apranga, une entreprise de distribution de vêtements, en tant que responsable de marques. Au cours des dix dernières années et plus, j’étais chargée des marques de luxe. Ce fut une excellente école : apprendre à gérer plusieurs processus simultanément, travailler à un rythme soutenu, communiquer rapidement, trouver des accords, négocier et voyager. L’achat de collections de mode a affûté mon regard esthétique, tandis que les voyages ont considérablement élargi mes horizons.
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Ces années passées dans l’univers des marques de luxe m’ont donné l’occasion non seulement de consacrer environ 40 % de mon temps à Milan, Paris, Londres et Florence – en réussissant parfois à glisser une visite au musée après le travail -, mais surtout de découvrir parmi les premières les collections et les showrooms des grandes maisons de couture.
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Tout ce que j’y ai découvert est devenu une partie intégrante de ma boîte à outils professionnelle : les exigences en matière de présentation des collections, le design intérieur, les dernières idées des créateurs, les collaborations avec des artistes et l’audace d’opter pour des solutions inattendues. Aujourd’hui, tout cela m’est extrêmement précieux, qu’il s’agisse d’organiser des expositions, d’échanger avec des collectionneurs ou de sélectionner des œuvres d’art.
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Je me sens parfaitement à l’aise lorsque je pousse les portes de la maison de ventes Sotheby’s à New York ou lorsque j’échange avec des personnes fortunées. Ces environnements me sont familiers et je m’y sens naturellement à ma place, car ils faisaient partie de mon quotidien professionnel. Je ne le cacherai pas : c’est particulièrement agréable de voir d’anciens collègues et partenaires commerciaux d’Armani ou de Saint Laurent, qui suivent aujourd’hui mon parcours dans le monde de l’art, aimer mes publications sur LinkedIn.
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Un autre chapitre de ma vie, que vous avez évoqué au début de notre entretien, est celui des médias. J’ai présenté les journaux télévisés sur Tele-3 et Kaunas +, et travaillé pour les stations de radio Radiocentras et Laisvoji banga. Cette expérience s’est également révélée précieuse : elle m’a donné de l’assurance dans la prise de parole en public et m’a permis de nouer des contacts utiles à la diffusion de l’information.
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Je suppose que Contour Art Gallery a eu une certaine chance de ce point de vue : tout converge vers l’art. Aujourd’hui, je mobilise tout ce que j’ai acquis et accumulé au fil de ma vie pour faire avancer ce projet.
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Vernissage de l’exposition Raimondas Gailiūnas au manoir de Rokiškis, 2022
Clique sur l’image pour la découvrir de plus près
La plus grande œuvre textile réalisée à ce jour par Diana Remeikytė, commandée par l’intermédiaire de la galerie.
La Contour Art Gallery à ArtVerona 2018, présentant les œuvres de Laisvydė Šalčiūtė
Le stand figure parmi les 10 meilleurs sélectionnés par Artribune
Installation de DUENDE, exposition consacrée à l’art textile contemporain lituanien, au centre culturel Casa de Vacas, à Madrid (Espagne), 2022
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J.P. : Pendant neuf ans, Contour Art Gallery n’a pas eu de lieu permanent. Tu as développé ton activité à travers des expositions organisées dans différents espaces, des foires d’art, des projets éphémères et des partenariats. Beaucoup auraient considéré cela comme un désavantage. Avec le recul, penses-tu que c’est précisément cette expérience qui a façonné l’identité de la galerie ?
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V. M. : Je pense qu’elle a surtout façonné mon propre caractère. Je suis têtue de nature – je tiens cela de mon père. Et lorsque les choses se compliquent, mon obstination ne fait que grandir. Cette idée de courir constamment après les nuages me fascinait. Je n’ai jamais envisagé de me lancer dans des contrats de location et de m’engager dans un lieu unique. Je pensais aussi que les artistes avaient besoin d’espaces différents pour accueillir leurs œuvres.
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Cette période itinérante a également été incroyablement intéressante. Il est assez remarquable de voir tout ce qui a pu se passer durant ces années. Ce qui me fascine le plus, c’est que je pouvais parler de galerie alors qu’il n’existait, en réalité, aucun espace physique permanent. La liste des projets, des réalisations et des lieux transformés par l’art est impressionnante : du Palazzo Ducale de Mantoue au centre culturel Casa de Vacas à Madrid, en passant par le remarquable manoir de Markučiai et les expositions accueillies dans les espaces mis à disposition par Baltic Sotheby’s Realty.
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Qu’est-ce que cette vie constamment en mouvement impliquait ? Des défis, bien sûr. Comment organiser l’éclairage, où entreposer les œuvres, comment expliquer aux visiteurs que nous n’étions plus, par exemple, rue Lydos, mais que nous avions déménagé rue Totorių. Et, bien sûr, cette inquiétude permanente en arrière-plan : et si quelque chose tournait mal ?
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D’un autre côté, cette expérience m’a permis de mesurer à quel point les artistes me faisaient confiance. Certains m’ont accompagnée tout au long de cette aventure difficile et sont restés à mes côtés jusqu’à notre arrivée rue Šv. Kazimiero. Je les estime et les aime profondément, car ils ont su reconnaître et apprécier les efforts que j’ai déployés. Ils le savent.
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Est-ce que je me suis parfois lassée de devoir tout recommencer sans cesse ? Je n’ai tout simplement jamais envisagé que les choses puissent être différentes. J’aimais beaucoup trop ce que je faisais et, peut-être aussi, les possibilités étaient-elles limitées à l’époque.
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Photo: Lina Fisheye
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J.P. : En 2025, Contour Art Gallery a enfin trouvé son lieu permanent dans la vieille ville de Vilnius. Qu’est-ce que cela représente pour toi, d’avoir ta propre galerie ?
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V. M. : C’est bien plus qu’un rêve. Aujourd’hui encore, j’ai du mal à croire que j’ai osé franchir le pas. La première fois que je me suis dit « C’est ici, c’est mon lieu », c’est en découvrant l’annonce de location de cet espace sur Aruodas. Ses plafonds voûtés font écho aux courbes de mon logo. J’avais du mal à croire qu’il existait encore de tels trésors cachés dans la vieille ville de Vilnius.
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Puis les doutes ont commencé à s’installer. Ce n’était pas un espace blanc, ni un traditionnel white cube. Peut-être n’y avait-il pas assez de murs, ou peut-être les briques du plafond datant du XVIe siècle allaient-elles finir par s’effriter. Mais ma plus grande crainte était qu’un obstacle m’empêche de louer cet espace, ou que je ne parvienne pas à en assumer financièrement les coûts et que tout s’effondre au bout de six mois. Heureusement, rien de tout cela n’est arrivé. Nous célébrerons le dixième anniversaire de la galerie dans nos locaux de la rue Šv. Kazimiero, où nous présenterons déjà notre huitième exposition.
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Disposer d’un lieu permanent a profondément changé ma conception du métier de galeriste. Après tout, avoir une galerie est très différent de simplement organiser des projets artistiques ou représenter des artistes. Il y a aussi ces moments où, le soir, tu as déjà franchi la porte pour rentrer chez toi, pour la cinquième fois, mais où tu fais finalement demi-tour afin de terminer quelque chose, de vérifier que tout est bien installé, fermé et éteint.
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Et puis, il y a le plaisir d’arriver chaque jour, d’allumer les lumières de l’exposition, de se préparer un café, de discuter avec les voisins et de s’installer à la table sur mesure conçue par Vytautas Gečas spécialement pour la galerie. (D’ailleurs, je dois l’idée de placer une table au cœur de la galerie – un élément qui structure l’espace et rassemble les gens – à l’architecte Aurimas Syrusas, du studio IMPLMNT.)
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Le lien que j’entretiens avec un lieu est essentiel à mes yeux, et je suis convaincue que l’expérience de l’art ne se limite pas aux œuvres elles-mêmes. Le lieu où elles sont présentées compte tout autant : c’est là qu’un acheteur potentiel découvre une œuvre pour la première fois. Un espace accueillant permet de créer et d’entretenir des relations avec les visiteurs. La conversation est importante, tout comme l’émotion ressentie lorsqu’on découvre une œuvre qui semble être une évidence, celle que l’on a envie de faire sienne.
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Les gens viennent ici pour découvrir l’art, mais le fait qu’ils prennent leur temps et n’aient pas envie de repartir montre peut-être à quel point cet espace reflète ma personnalité. Je m’y sens chez moi et je souhaite que les visiteurs ressentent la même chose lorsqu’ils franchissent la porte de la galerie.
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L’espace, l’atmosphère, les échanges, l’émotion que l’on ressent lorsqu’on acquiert une œuvre d’art… C’est tout cela, une galerie.
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Vilma dans sa galerie / Photo : Lina Fisheye
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J.P. : Les galeries sont souvent perçues comme des institutions purement commerciales, des entreprises guidées par le profit et uniquement préoccupées par la vente d’œuvres d’art. Pourtant, elles sont bien plus que cela. Elles se construisent autour de relations humaines et de liens émotionnels avec les œuvres et ceux qui les créent. Comment sais-tu que tu souhaites accompagner un artiste dans la durée, plutôt que de simplement organiser une exposition réussie ? À quoi ressemble ce type de relation sur le long terme ?
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V. M. : Je pense qu’il faut avant tout avoir confiance en soi pour pouvoir avancer sereinement dans la vie. Cette confiance s’acquiert par les connaissances et l’expérience, et les acheteurs la perçoivent très rapidement.
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Pour vendre une œuvre, je dois croire profondément en ce que je fais et en ce que je propose. La question de savoir si une relation avec un artiste ira au-delà d’une simple exposition, même si son travail est exceptionnel, est quelque chose que je ressens lorsque nous échangeons. Est-ce que nous nous comprenons vraiment ? Avons-nous envie de poursuivre la conversation ? Il ne doit y avoir entre nous ni malaise, ni agacement, ni tension. Il peut y avoir des surprises, des éclats de rire, parfois même des larmes, mais nous continuons à dialoguer.
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Le signe le plus évident de confiance est l’ouverture de l’artiste à la discussion. Lorsqu’il ne vous considère ni comme un critique, ni comme un concurrent, ni comme un vendeur et, Dieu nous en préserve, ni comme un manager bénévole à qui il faudrait constamment demander des comptes ou qui serait en permanence redevable de quelque chose. La confiance, c’est lorsque nous discutons et travaillons ensemble ; lorsqu’une occasion se présente, nous la saisissons, nous nous répartissons les tâches et nous nous investissons pleinement, parce que nous poursuivons le même objectif. C’est à ce moment-là que je me sens partie prenante du processus, et c’est ce qui me motive.
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La confiance, c’est aussi lorsqu’un artiste me confie pleinement le soin de faire vivre et de présenter son travail, sachant que je saurai trouver les lieux d’exposition appropriés ainsi que les bonnes personnes et les institutions auxquelles le faire découvrir. De mon côté, je peux alors être sereine, sachant ce que l’artiste sera en mesure de proposer. Voilà à quoi ressemble la confiance.
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J.P. : Aujourd’hui, dans quelle mesure une galeriste doit-elle être à la fois manageuse, diplomate, psychologue… et quelle place reste-t-il à sa sensibilité artistique ?
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V. M. : Je pense que, pour survivre sur le marché de l’art contemporain actuel, il ne suffit pas d’être une personne passionnée d’art, pas plus qu’il ne suffit d’être une femme d’affaires. Il faut comprendre l’art, être capable de l’évaluer avec un regard professionnel et, surtout, l’aimer. Mais tous les autres rôles que tu as évoqués sont tout aussi indispensables et occupent une part considérable du temps.
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Le rôle qu’a joué Leo Castelli dans l’histoire de l’art m’inspire particulièrement. Il fut l’un des marchands et galeristes les plus influents du XXe siècle, notamment dans l’histoire de l’art contemporain aux États-Unis. Son approche reflète profondément ma propre vision de la collaboration avec les artistes.
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Je souhaite que les artistes avec lesquels nous avons construit des relations solides puissent se consacrer librement à leur création. Ma responsabilité, à moi, est de bâtir toute l’infrastructure qui les entoure : un réseau de collectionneurs, des relations avec les institutions, un historique d’expositions, une réputation et un marché. L’ambition de Leo Castelli n’était pas simplement de vendre des œuvres, mais de construire durablement la valeur d’un artiste et, ce faisant, de lui assurer une place dans l’histoire de l’art. Cette approche me parle profondément et c’est la voie que j’essaie de suivre. Croire en un artiste et construire une relation sur le long terme comptent bien davantage qu’une vente rapide.
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Et quel rôle me correspond le plus personnellement ? Celui d’une observatrice qui tire discrètement les ficelles pour que tout avance dans la bonne direction ; celui d’une gagnante lorsque nous obtenons le résultat espéré ; et celui d’une cheffe d’orchestre lorsque je sens que tout s’accorde harmonieusement.
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Inauguration de l’exposition de Raimondas Gailiūnas au manoir de Rokiškis, 2019
Clique sur l’image pour la découvrir de plus près
Interlude, exposition personnelle de Rūta Vadlugaitė, présentée par la Contour Art Gallery
dans un espace mis à disposition par Baltic Sotheby’s International Realty, 2018
Kotryna Onaitytė. Lauréate du Grand Prix de la 53e édition du Premio Suzzara, « Terra Bruciata », Italie, 2026
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J. P. : Mais l’essentiel du travail d’une galerie s’effectue en coulisses, lorsque personne ne regarde. Quelle part de romantisme y a-t-il réellement dans ce métier ?
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V. M. : Il y a davantage d’intensité passionnée que de romantisme. Courir d’un atelier d’artiste à l’autre, enchaîner les réunions, discuter de nouvelles œuvres, de la participation aux foires d’art et des expositions. Et ce rythme intense, auquel s’ajoutent les vernissages et les événements, ne représente que 10 % de notre activité. Les 90 % restants sont en réalité consacrés à des tâches que personne ne voit jamais : emballer les œuvres, organiser la logistique, laver les sols de la galerie, communiquer en permanence avec d’autres institutions, des artistes et des collectionneurs, tenir à jour les bases de données des artistes, publier les œuvres sur des plateformes internationales, diffuser des informations par le biais de canaux directs, et ainsi de suite.
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Je devrais également trouver le temps de rechercher des sponsors et de réunir des fonds pour les projets d’envergure que nous avons en préparation, mais les journées ne comptent tout simplement pas assez d’heures pour cela. C’est mon point faible. Et puis, il y a cette réflexion permanente. Des projets et des scénarios prennent forme dans mon esprit, jour et nuit.
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J. P. : Au fil des années d’existence de la galerie, tu as certainement rencontré de nombreux collectionneurs qui achetaient une œuvre d’art pour la toute première fois. Le rapport des gens à l’art est-il en train de changer ? En Lituanie, commence-t-on à collectionner des œuvres d’art non plus par prestige, mais par besoin intérieur ?
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V. M. : Et aussi par désir d’aider et de soutenir les artistes. Il est merveilleux de constater que l’on comprend de plus en plus que lorsque nous achetons des œuvres d’artistes qui créent aujourd’hui, nous ne faisons pas simplement l’acquisition de trophées personnels : nous contribuons également au développement intellectuel du pays. Et certaines personnes en ont pleinement conscience.
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Quant au profil de l’acheteur d’art contemporain aujourd’hui, je dirais qu’il est issu d’horizons très divers. Il y a, par exemple, des personnes qui ont acquis des œuvres dès les toutes premières expositions de la galerie, et cela me rendrait très triste qu’elles ne soient pas présentes pour partager certains des moments les plus importants de son histoire. Je pense que ces personnes méritent d’être citées nommément : Arūnas et Vida Uleckai, Erin Gainer-Grigaliūnė et Julijus Grigaliūnas.
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Cela ne signifie pas qu’ils achètent de l’art en permanence. Leur engagement va bien au-delà : ce sont des amis de la galerie. Une autre personne qui compte beaucoup pour moi est Andreas Schlüter. J’ai récemment reçu une lettre de sa part dans laquelle il écrivait : « Vous possédez tant d’œuvres magnifiques que je devrais engager quelqu’un pour renouveler l’accrochage chaque mois et exposer de nouvelles pièces, car je n’ai tout simplement plus de place sur mes murs. Mais comme je suis beaucoup trop occupé, dites-moi ce que je pourrais faire pour vous aider et me sentir partie prenante de votre démarche, afin que vous puissiez continuer à faire ce que vous faites sans avoir à vous arrêter. »
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Et ce n’est pas un millionnaire qui ne sait que faire de son argent. C’est un professionnel de santé animé d’un amour immense pour l’art. Ces personnes se soucient sincèrement de notre situation, de l’évolution de la galerie et du parcours des artistes. Et si nécessaire, je sais qu’elles seront toujours là pour nous conseiller et nous apporter leur soutien.
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En ce qui concerne les personnes en Lituanie qui commencent tout juste à développer un rapport à l’art, je dirais qu’il nous manque encore une certaine audace. Sans parler de ceux qui constituent déjà des collections d’art contemporain avec un engagement remarquable, les œuvres sont encore souvent considérées comme de simples objets décoratifs. Car inviter une œuvre d’art chez soi – une œuvre qui devient un point focal, porte un message, se distingue de son environnement, voire définit tout un espace – demande une certaine dose de courage.
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Mais ce qui est encourageant, c’est que les gens s’intéressent de plus en plus à l’art. Ils découvrent davantage d’œuvres et élargissent leur regard. Ce que j’apprécie particulièrement, ce sont ces personnes qui tombent d’abord amoureuses d’une œuvre, puis conçoivent leur intérieur autour d’elle, et non l’inverse.
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Vernissage de l’exposition Locals, Vilnius, 2024
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J. P. : Au cours de la dernière décennie, la Contour Art Gallery s’est de plus en plus tournée vers le marché international de l’art. Dois-tu encore démontrer que la Lituanie possède une scène artistique contemporaine forte ?
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V. M. : Chaque fois que tu pénètres dans un nouvel environnement, tu dois à nouveau faire tes preuves et faire reconnaître ton art, jusqu’à ce que tu deviennes familier et reconnu. Il existe un proverbe japonais sur la patience : « Trois ans sur une pierre froide ». Cela signifie que même une pierre froide finit par se réchauffer si tu restes assis dessus suffisamment longtemps. Nous verrons comment les choses évoluent. Mon objectif est de participer chaque année à au moins quatre ou cinq grandes foires d’art.
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Quant à la scène artistique contemporaine lituanienne, il ne fait aucun doute que sa visibilité internationale a été renforcée par plusieurs réussites : le succès de Sun & Sea à la Biennale de Venise, l’essor de la carrière internationale de Lina Lapelytė qui s’en est suivi, le parcours international de Pakui Hardware, les grandes expositions consacrées à la présentation de l’œuvre d’Aleksandra Kasuba à travers le monde, ainsi que le travail remarquable du musée MO, qui n’est certainement pas passé inaperçu. Une autre contribution importante a été le don d’œuvres d’artistes lituaniens à la collection du Centre Pompidou, à Paris, par les fondateurs du musée, Viktoras et Danguolė Butkai.
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Si la culture bénéficiait d’une attention plus ciblée et de financements plus importants, ou s’il existait au moins une stratégie plus claire pour promouvoir l’art lituanien à l’étranger, les artistes et les galeries n’auraient pas à repartir de zéro chaque fois qu’ils entreprennent de se faire une place sur la scène internationale.
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J. P. : Que manque-t-il encore à la Lituanie pour que ses artistes bénéficient d’une plus grande visibilité sur la scène artistique internationale ?
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V. M. : Un soutien ciblé qui permettrait à celles et ceux qui travaillent sans relâche, souvent entièrement seuls, de parvenir à une reconnaissance internationale. Cela ne demande finalement pas grand-chose. Ce dont nous avons besoin, c’est de soutien, plutôt que de jugements ou de cette attitude qui consiste à rester en retrait pour observer « combien de temps ils vont encore tenir ».
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J. P. : Et selon toi, dans quel environnement les galeries et les artistes peuvent-ils le plus facilement se développer ? Existe-t-il un pays dont le modèle de galerie te semble particulièrement proche de tes aspirations ?
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V. M. : La Pologne. Les galeries privées de Varsovie sont impressionnantes, tant par leurs espaces que par les projets qu’elles organisent. Elles ne donnent pas cette impression de froideur ou d’inaccessibilité que l’on retrouve dans les galeries représentant des artistes de premier plan dans les grandes villes européennes. On y ressent une certaine chaleur et une attention personnalisée, tout en ayant le sentiment qu’elles bénéficient d’une position relativement stable.
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À Art Basel, la plus grande foire d’art au monde, on trouve plusieurs galeries polonaises. Ce qui se passe là-bas témoigne d’un très bel équilibre entre activité commerciale et liberté d’expression artistique. Et si elles peuvent préserver cet équilibre, c’est parce que la Pologne compte de nombreuses fondations artistiques qui collectionnent l’art contemporain, mais aussi parce que le secteur bénéficie d’un soutien public ciblé et d’une politique culturelle qui l’accompagne activement.
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L’artiste de la galerie, Diana Remeikytė, lors de sa performance au vernissage de l’exposition
Ekaterina Kvashchynskaya photo
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J. P. : À première vue, la galerie semble élégante et sereine. Mais quel tempérament as-tu lorsqu’il s’agit de défendre tes artistes ?
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V. M. : Celui d’un lynx. Absolument. Je défends avec acharnement tout ce en quoi je crois, et lorsque je choisis de représenter un artiste, cela signifie que je crois en lui. Si cette conviction commence à vaciller, nous en parlons. Si nous cessons de communiquer, nous nous séparons et l’artiste ne fait alors plus partie de ceux que je représente. Cela paraît très simple, n’est-ce pas ?
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Quant à l’élégance, nous ne sommes pas toujours aussi sages et mesurés. Par exemple, pour le vernissage de l’exposition de Diana Remeikytė et Raimundas Gailiūnas, nous avons organisé une performance de pole dance avec trois divas, au moment où le soleil se couchait et que l’espace se remplissait de fumée. L’artiste elle-même, accompagnée de deux de ses partenaires de danse, s’est frayé un chemin parmi les invités réunis pour le vernissage, avant de commencer à tournoyer et à se mouvoir, reproduisant les expressions faciales représentées dans les œuvres de Raimundas.
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Ce n’était pas particulièrement élégant : c’était sensuel, original et puissant. Pas de présentations, pas de discours.
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J. P. : Qu’est-ce qui t’irrite le plus dans le monde de l’art ?
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V. M. : Un dilettantisme susceptible d’engendrer le mauvais goût ou de flatter celui-ci.
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Vilma / Photo: Lina Fisheye
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J. P. : Et, au cours de ces dix années, qu’est-ce qui t’a le plus rappelé que tout cela en valait la peine ?
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V. M. : Une étreinte avec un artiste lorsque nous remportons un succès, en sachant pleinement qu’il est le fruit de toutes ces longues années de travail accomplies ensemble. Et peut-être aussi ma décision d’offrir à la galerie un lieu permanent : l’excitation, l’appréhension, les petites inquiétudes et l’immense fierté, tout à la fois. Se trouver simplement dans la galerie procure un sentiment extraordinaire.
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J. P. : À quoi ressemble ton quotidien ? Trouves-tu encore le temps de simplement profiter de l’art ?
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V. M. : Je suis constamment entourée d’art, car il est partout autour de moi, même lorsque je suis devant mon écran d’ordinateur. Il est également présent lorsque je planifie mes vacances. Par exemple, j’avais prévu deux voyages en septembre : l’un pour découvrir en avant-première la Biennale de Venise, l’autre pour le Warsaw Gallery Weekend. Mais mon « séjour de vacances » à Varsovie a finalement été remplacé par un voyage à Suzzara, en Italie, où Kotryna Onaitytė, une artiste que nous représentons, a remporté le Grand Prix de la 53e édition du Premio Suzzara, et où son œuvre a été acquise par le musée. Parmi les 550 candidatures et les 75 artistes finalistes, c’est elle qui a décroché la plus haute distinction. Auparavant, j’avais déjà passé quelques jours de « vacances » à la Biennale de Malte, et ainsi de suite.
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J. P. : Si nous devions nous retrouver dans dix ans, quelle question aimerais-tu le plus que je te pose ?
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V. M. : J’aimerais que tu me demandes quand tu pourrais passer prendre un café à la maison. Et je te répondrais : quand tu veux, Julija.
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Photo: Lina Fisheye
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J. P. : Et qu’aimerais-tu avoir accompli au cours des dix prochaines années ?
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V. M. : J’aimerais avoir participé à Art Basel pendant au moins cinq années consécutives et être entourée d’une équipe à qui je pourrais déléguer une partie du travail de temps à autre. Ensemble, nous pourrions accomplir beaucoup plus. Je veux que mes artistes soient libres de créer, tandis que ma responsabilité consiste à construire toute l’infrastructure nécessaire autour d’eux. Je souhaite que leurs œuvres trouvent leur place dans les collections les plus prestigieuses du monde entier et qu’ils puissent vivre dignement – comme on dit parfois en Lituanie à propos des retraités. Nous devrions tous pouvoir vivre dignement, au minimum. Les artistes doivent pouvoir gagner leur vie. C’est précisément ce à quoi nous travaillons.
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Quant à moi, j’aimerais préserver ma santé, car le stress ne manque pas. Et j’aimerais aussi réussir à m’accorder du temps : pour la musique, le mouvement, les plantes sur ma terrasse, les voyages, les livres et les conversations avec les personnes que j’aime.
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J. P. : Merci.
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Photo: Lina Fisheye